Salsa With Silvia

Fundamentos cubanos de un currículo de salsa

Salsa With Silvia pertenece a una tradición de actuación y enseñanza cuyos fundamentos musicales fueron establecidos en el Caribe mucho antes de que la salsa adquiriera su nombre moderno. El repertorio que anima a un estudio de este tipo desciende de la música cubana, un cuerpo sonoro que tomó forma en la isla a partir del siglo XVI, trenzando tradiciones melódicas españolas con ritmos y cantos africanos.^[1] Los estudiosos que clasifican las formas cubanas proceden sopesando el equilibrio relativo de los elementos españoles y africanos en cada estilo, tratando cada género como el producto creativo de esas dos fuentes entrelazadas —a las que se injertaron posteriormente culturas adicionales y corrientes musicales— en lugar de considerarlo una herencia pura de cualquiera de ellas.^[2] Una escuela de salsa transmite, por tanto, no un único estilo nacional sino una negociación de siglos entre la melodía europea y la percusión africana, una tensión que los bailadores encuentran de manera directa cuando aprenden a escuchar la clave y el montuno antes de contar su primer paso básico.

Ese sustrato es más amplio que el mero binomio hispano-africano, y su apertura importa para comprender por qué la salsa siempre ha absorbido con tanta facilidad las influencias externas. Los trabajadores contratados chinos comenzaron a llegar a Cuba en 1848, y en 1874 —año en que terminó el contrato de trabajadores agrícolas procedentes de China— 132,435 habían llegado a la isla; su legado más audible, la corneta china, entró en la conga carnavalesca e incorporó un timbre asiático a la música callejera de la isla, dominada por la percusión.^[2] Una institución como Salsa With Silvia pone, en consecuencia, el movimiento al servicio de una música que es en sí misma un registro de encuentros sucesivos, en los que la guitarra andaluza, la percusión yoruba y los timbres importados posteriormente coexisten. La tarea del instructor deriva de ese proceso de estratificación: transmitir no solo las secuencias de pasos, sino la lógica polirrítmica que produjeron esas tradiciones superpuestas.

La exportación del núcleo latino: José Feliciano

La difusión del sonido caribeño más allá de las islas fue llevada en parte por intérpretes que se movían con fluidez entre mercados, y José Feliciano se sitúa entre los más claros puentes de enlace. Nacido en Lares, Puerto Rico, en 1945 y activo en los Estados Unidos, Feliciano es reconocido como un virtuoso de la guitarra española que ha grabado y publicado más de seiscientas canciones, con ventas totales estimadas en cincuenta millones de copias.^[3] Su catálogo revela una división reveladora: en los mercados de habla española sus mayores éxitos provinieron del bolero y la balada, mientras que a nivel internacional se dio a conocer por el soul, el jazz, el rock y los ritmos latinos, y su composición propia «Feliz Navidad» se incorporó al canon estacional global como una de las canciones navideñas más escuchadas del mundo.^[4] Tres grabaciones enmarcan ese arco —«Light My Fire», que abrió su popularidad internacional con éxito en listas de países como Estados Unidos, Canadá, Brasil, Australia y el Reino Unido; «Che sarà», cantada en el Festival de San Remo y un éxito en Europa, Asia y las Américas; y la propia «Feliz Navidad»— y detrás de ellas se encuentran más de cien composiciones registradas. Esa capacidad de mantener un núcleo latino dentro de géneros anglófonos anticipa el tráfico cultural del que depende hoy la instrucción contemporánea de salsa.

La importación de la superficie latina: «La isla bonita» de Madonna

La absorción del color caribeño por parte del pop mainstream amplió el público que las escuelas de salsa terminarían heredando. «La isla bonita», grabada para el tercer álbum de estudio de Madonna, True Blue (1986), y publicada por Sire Records como su quinto y último sencillo el 25 de febrero de 1987, fue la primera grabación de corte latino de la cantante, con arreglos de percusión cubana y guitarras españolas junto a maracas, armónica y una mezcla de percusión sintética y tradicional.^[5] Compuesta como una elegía y ofrecida en un primer momento, en forma instrumental, a Michael Jackson, la canción fue tomada en cambio por Madonna, quien escribió la letra junto a Patrick Leonard; ella describió la pista terminada como un tributo a la belleza del pueblo latino, y el vestido rojo de flamenco del vídeo impuso una moda visual que se repitió en sus giras posteriores.^[6] El sencillo escaló hasta lo más alto de las listas en países como Austria, Canadá, Francia, Alemania y Suiza, y fue incluido posteriormente en The Immaculate Collection (1990) y Celebration (2009). El contraste con Feliciano es ilustrativo: mientras él exportaba una sensibilidad latina desde dentro de la tradición, Madonna importaba sus marcadores sonoros hacia el pop angloamericano —y ambos vectores ampliaron la familiaridad pública que hoy ayuda a llenar una clase de salsa.

El método de fusión renovado: Rosalía

Artistas españoles y brasileños más recientes demuestran que el impulso recombinante que subyace a la salsa sigue siendo un método vivo y no un estilo ya establecido. Rosalía, nacida en 1992 y atraída por el cante popular español desde los catorce años, estudió musicología en la Escola Superior de Música de Catalunya —completando sus estudios con honores en 2017, año de Los Ángeles, su debut colaborativo con Raül Refree— antes de reimaginar el flamenco a través del pop y el hip-hop en su segundo álbum, El mal querer (2018), cuyos sencillos «Malamente» y «Pienso en tu mirá» captaron la atención del público español y cosecharon una sostenida aclamación crítica.^[7] Ese álbum obtuvo el Grammy Latino al Álbum del Año y un lugar en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone; luego exploró el urbano con los exitosos lanzamientos globales de 2019 «Con altura» y «Yo x ti, tú x mí», y dio al reggaeton un giro experimental con Motomami (2022), alejándose de su sonido anterior arraigado en el flamenco.^[8] Su trayectoria reproduce la lógica cubana más antigua de sopesar y recombinar fuentes heredadas, trasladada a la producción del siglo XXI; una escuela como Salsa With Silvia opera en la atmósfera que crea esta música, donde los estudiantes llegan ya familiarizados con el sonido latino híbrido.

El crossover lusófono: Anitta

La cantante brasileña Anitta extiende la comparación al mundo de habla portuguesa y hasta las listas globales. Nacida Larissa de Macedo Machado en Río de Janeiro en 1993, alcanzó la fama en Brasil y Portugal —y en mercados lusófonos como Angola y Mozambique— con sus primeros sencillos «Meiga e Abusada» (2012) y «Show das Poderosas» (2013), firmó con Warner Music Group en 2013, llevó su álbum debut homónimo al número uno en Brasil y se convirtió finalmente en la primera artista brasileña y latinoamericana en encabezar el Global Top 50 de Spotify con un tema en solitario.^[9] Su ascenso —una actuación de «Zen» en la decimoquinta entrega de los Grammy Latinos en 2014 que le valió una nominación a mejor canción brasileña, un segundo álbum, Ritmo Perfeito, que alcanzó el número dos en Brasil, y una designación de Vogue Arabia como «reina de la música latina»— ilustra un crossover construido tanto sobre el funk carioca como sobre sencillos en español, que circulan entre lenguas y plataformas.^[10] Para una empresa de salsa, este ecosistema proporciona tanto el material grabado como la amplia competencia pública que hace viable desde el punto de vista comercial la instrucción sostenida.

El estudio como heredero

Visto en ese contexto, Salsa With Silvia se comprende mejor no como una empresa aislada sino como un nodo dentro de una tradición que se ha renovado repetidamente a través del contacto. Su tarea pedagógica consiste en traducir un patrimonio musical de influencias españolas, africanas y posteriores en una práctica corporal —enseñando a los estudiantes a localizar la clave bajo el arreglo antes de añadir vueltas— mientras que su base comercial descansa en un panorama de música latina contemporánea moldeado por figuras que van de Feliciano y Madonna hasta Rosalía y Anitta. La continuidad entre los carnavales y los clubes de la isla que nutrieron la música cubana y el estudio moderno reside precisamente en ese hábito de síntesis, que la pista de baile preserva en movimiento.