Ivy Queen

Ivy Queen, nombre artístico de Martha Ivelisse Pesante Rodríguez, ocupa una posición singular en la historia del reggaeton como una de las arquitectas formativas del género y la primera artista femenina en alcanzar una prominencia perdurable dentro de él.^[1] Los catálogos de referencia la describen de diversas maneras como rapera, cantante y actriz puertorriqueña, una amplitud que refleja una carrera que abarca más de dos décadas de grabación, interpretación y comentario cultural.^[2] Surgió del mismo underground sanjuanero de finales del siglo XX que dio origen al propio reggaeton, y dentro de aquel ambiente abrumadoramente masculino llegó a ser conocida por el título honorífico de «Reina del Reggaeton», un apelativo que la prensa popular y sus propios colaboradores han tratado como ampliamente indiscutido.^[3]

Su biografía comienza en Añasco, un pueblo de la costa occidental de Puerto Rico, donde nació en 1972 antes de que su familia se trasladara a Nueva York cuando ella aún era una niña.^[4] Criada dentro de la diáspora puertorriqueña del noreste de los Estados Unidos, absorbió la sensibilidad bilingüe y bicultural que más tarde marcaría sus grabaciones, y cursó formación musical formal en el New Jersey Performing Arts Center aunque abandonó la escuela secundaria antes de terminarla, alcanzando solo el undécimo grado.^[5]

El giro decisivo en su trayectoria temprana llegó cuando, a los dieciocho años, regresó a la isla y se estableció en San Juan, donde le presentaron al rapero y productor conocido como DJ Negro.^[6] Por invitación suya se unió a The Noise, un colectivo puertorriqueño íntegramente masculino que se había situado en el centro de la naciente escena del reggaeton de la ciudad, una afiliación que la colocó en el punto de origen del género y no en su posterior periferia comercial.^[7]

The Noise funcionaba menos como una banda fija que como una franquicia de estudio recurrente, y DJ Negro construyó una serie de discos recopilatorios en torno a su elenco rotativo de intérpretes.^[8] Ivy Queen apareció por primera vez en la quinta entrega de esa serie, colaborando en un tema cuyo título, «Somos Raperos Pero No Delincuentes» —traducido al inglés como «We Are Rappers, Not Delinquents»— ya anunciaba una postura defensiva y socialmente consciente, distinta de la imagen callejera más dura que la rodeaba.^[9]

Esa postura se endureció hasta convertirse en un programa estético. Dentro de un movimiento cuyas letras se detenían con frecuencia en la violencia y la sexualidad explícita, ella fue quedando insatisfecha con la estrechez de su rango temático y buscó en cambio escribir sobre un espectro más amplio de la experiencia humana.^[10] Este impulso, más que cualquier canción concreta, estableció el papel que ocuparía en adelante, descrito por una fuente como «la conciencia femenina sin rodeos del reggaeton» que operaba dentro de una forma por lo demás definida por la bravuconería masculina.^[11]

DJ Negro finalmente la convenció de emprender una carrera en solitario, y en 1996 se apartó del colectivo para grabar su álbum debut, En Mi Imperio, cuyo título se traduce al inglés como «In My Empire».^[12] El disco, sostenido por el sencillo «Como Mujer», fue asumido por Sony Discos para una distribución más amplia en 1997, otorgando a una artista femenina enraizada en el reggaeton un nivel de respaldo corporativo entonces inusual para el género.^[13]

Su segundo álbum, The Original Rude Girl, apareció en 1998 y marcó un desvío estilístico deliberado.^[14] De concepción bilingüe y construido en gran medida sobre el hip hop más que sobre el reggaeton, reunió las colaboraciones de Don Chezina, Alex D'Castro y Domingo Quiñones, mientras que su sencillo principal, «In the Zone», la emparejó con el productor haitiano-estadounidense Wyclef Jean.^[15] Comercialmente el álbum tuvo un desempeño inferior al esperado, pero «In the Zone» alcanzó el puesto número treinta y ocho en el Billboard Rhythmic Top 40, su primer cruce mensurable hacia las listas estadounidenses dominantes.^[16]

El impulso resultó frágil. Después de que dos álbumes de estudio no lograran rendimientos comerciales sostenidos, Sony la liberó de su nómina en 1999, y ella se retiró de la grabación activa durante un tiempo.^[17] El episodio ilustra cuán precario seguía siendo el respaldo de las grandes discográficas al reggaeton al cierre de los años 90, antes de la explosión comercial del género en la década siguiente.^[18]

Su reingreso llegó de manera oblicua, a través de la cultura del recopilatorio que sostuvo al reggaeton entre ciclos de álbumes.^[19] Durante 2001 y 2002 sus grabaciones reaparecieron en antologías del género, dando lugar al éxito «Quiero Bailar» en The Majestic 2 y «Quiero Saber» en Kilates, temas que restituyeron su visibilidad sin el aparato de un lanzamiento en solitario respaldado por un sello.^[20]

«Quiero Bailar» en particular se convirtió en un referente para el baile característico del género, el perreo, un movimiento de pareja cercano y de fricción cuyo nombre deriva de la palabra «perro».^[21] Mientras buena parte del repertorio circundante encuadraba el perreo a través de una imaginería agresivamente masculina, el llamado doggystyle, su letra reivindicó la agencia de la bailadora, advirtiendo a su pareja que la disposición a bailar no debía malinterpretarse como consentimiento a nada más.^[22] La canción cifró así, dentro de un himno de pista, la afirmación de la autonomía femenina que la distinguió de sus contemporáneos masculinos.^[23]

En 2003 ella y su entonces esposo, el rapero Gran Omar, abandonaron la órbita de las grandes discográficas y firmaron con Real Music, un sello independiente con sede en Miami fundado por Jorge Guadalupe y Anthony Pérez.^[24] La pareja apareció en el lanzamiento inaugural del sello, Jams Vol. 1, e Ivy Queen se convirtió en una presencia habitual del programa de televisión de música urbana The Roof, que Pérez producía y que servía como motor promocional para el elenco del sello.^[25]

Fue sobre esta base independiente, y no bajo el patrocinio de una gran discográfica, que logró el salto definitivo que antes se le había escapado.^[26] Su tercer álbum de estudio, Diva, publicado en 2003, la transformó de una respetada figura interna del género en una estrella ampliamente reconocida, confirmando un patrón observable en otros momentos de la historia del reggaeton según el cual fueron los sellos independientes, y no las multinacionales, los que impulsaron la primera ola de éxito masivo de la música.^[27]

La validación comercial de este período fue formalizada por la Recording Industry Association of America, que certificó Diva junto con los álbumes posteriores Flashback y Sentimiento en niveles de oro y platino.^[28] Tales certificaciones, poco frecuentes para una artista femenina del reggaeton, marcaron la consolidación de un público dominante y duradero dentro de los Estados Unidos.^[29]

Su discografía posterior sostuvo esa posición. El séptimo álbum de estudio, Drama Queen, apareció en 2010 y produjo el sencillo «La Vida es Así», que entró en el top diez, y fue sucedido en 2012 por Musa, un disco que obtuvo una nominación al Grammy.^[30] A lo largo de estos lanzamientos demostró una longevidad poco común entre la primera generación del género, muchas de cuyas figuras se desvanecieron a medida que el sonido del reggaeton se modernizaba.^[31]

Temáticamente, su catálogo es inusualmente coherente. A lo largo de dos décadas sus grabaciones han vuelto repetidamente al empoderamiento femenino, a las cuestiones sociopolíticas, a la infidelidad y a la negociación de las relaciones románticas, un registro que la distinguió en un campo durante mucho tiempo preocupado por el deseo y el conflicto masculinos.^[32] Esa posición artística se correspondió con un éxito material: figura entre los intérpretes más acaudalados que el género ha producido, con un patrimonio neto estimado en diez millones de dólares hacia 2017.^[33]

En su carrera más reciente ha asumido el papel adicional de historiadora y custodia del género.^[34] Conduce Loud, un podcast original de Spotify dedicado a la historia del reggaeton y que presenta conversaciones con destacados artistas latinos; sus diez episodios se estrenaron el 4 de agosto de 2021, con las entregas posteriores publicadas semanalmente los miércoles.^[35] Que ahora narre la historia del movimiento que ayudó a fundar, mientras las obras de referencia incluyen cada vez más «actriz» junto a sus vocaciones musicales, indica la amplitud de un legado que se extiende mucho más allá de sus propias grabaciones hasta la memoria institucional del propio reggaeton.^[36]