El ritmo, el fraseo y el marcato en el tango

El fraseo rítmico del tango tomó forma en el Río de la Plata a medida que el género fue cristalizando a partir de varias corrientes culturales diferenciadas, que mezclaron la práctica afroargentina con la música de los inmigrantes europeos y las tradiciones rurales argentinas.^[1] En el seno de esa tradición vernácula emergente, la organización rítmica se convirtió en uno de los rasgos definitorios del estilo, y la musicología analítica reciente destaca la agrupación sincopada 3-3-2 como el patrón más característico del tango.^[2] El término marcato proviene del italiano marcare, «señalar» o «acentuar», si bien la literatura de música culta aquí examinada documenta con mucho mayor detalle las agrupaciones sincopadas del tango que su acentuación del tiempo fuerte.

La pauta 3-3-2, en la que un espacio de ocho pulsos se divide en grupos de tres, tres y dos, proporciona el impulso sincopado que los analistas identifican como sello distintivo del idioma.^[2] La misma bibliografía la sitúa entre los rasgos estilísticos del tango junto a las melodías ornamentadas, la inflexión denominada «nota verde», las texturas contrapuntísticas y los diseños formales ternarios que se repiten a lo largo del repertorio.^[2]

El camino por el que estos recursos llegaron a la sala de conciertos refleja un arco más amplio en la historia de la música argentina. La música culta occidental comenzó a desarrollarse en Argentina a principios del siglo XIX, y hacia el final de ese siglo dos corrientes nacionalistas entre los compositores habían consolidado la música folclórica como venero vernáculo de la identidad argentina.^[3] Esa orientación vinculaba la identidad del compositor con el material vernáculo, convirtiendo las fuentes populares y folclóricas en el sustrato auténtico de una música culta nacional.^[3] El tango, sin embargo, ocupó una posición incómoda dentro de ese proyecto, ya que los estudiosos señalan que su escasa aceptación social disuadió durante largo tiempo a los compositores de recurrir a él, incluso cuando maduraba como estilo vernáculo reconocible.^[4]

Esa reticencia fue cediendo a lo largo del siglo XX. Tras la obra de Astor Piazzolla, el tango alcanzó plena aceptación entre los compositores de música culta, un giro que transformó una forma popular antes marginal en material legítimo para la sala de conciertos.^[5] Las historias analíticas rastrean la evolución del tango a lo largo de aproximadamente un siglo y medio, desde el siglo XIX hasta finales de los años 90, un período en el que transitó de la práctica popular hacia el compromiso sostenido de los compositores.^[3] La producción de Piazzolla ha sido estudiada en sí misma como fenómeno cosmopolita que circuló en el país y en el extranjero, una recepción que ilustra hasta qué punto el lenguaje rítmico del tango penetró en la música culta internacional.^[6]

Una concreción de esta asimilación aparece en En Blanco y Negro de Claudia Montero (In White and Black), estrenada en 2017 y caracterizada como el primer concierto para piano que toma el tango como fuente vernácula, y notable además por ser obra de una compositora.^[7] El concierto recurre a los mismos marcadores rítmicos que la bibliografía especializada asocia con el estilo: entre ellos, pautas 3-3-2, melodías ornamentadas con la «nota verde», escritura contrapuntística, forma ternaria y una sonoridad dominada por las cuerdas que se asocia desde hace tiempo al tango.^[8] El concierto ilustra así cómo el vocabulario rítmico del tango, en otro tiempo estilo popular vernáculo de escaso prestigio, persiste como material organizador en la música culta del presente siglo.