Estilo y musicalidad en la bachata

El estilo y la musicalidad ocupan un lugar distintivo dentro de la bachata, asentados sobre el juego de pies y el trabajo en pareja del género como la capa interpretativa mediante la cual los bailadores convierten el sonido en movimiento. La bachata misma surgió en los distritos rurales de la República Dominicana a principios de los años 60, donde primero se la denominó «amargue», o amargura, un nombre que anunciaba sus temas recurrentes de desamor, pérdida y añoranza.^[1] La musicalidad, en el vocabulario práctico de los instructores contemporáneos, designa la capacidad del bailador de escuchar, interpretar y responder físicamente a una grabación, una habilidad ampliamente considerada como la diferencia entre el experimentado y el meramente competente.^[2] Donde el juego de pies y el vocabulario de patrones pueden ejercitarse de forma mecánica, el estilo y la musicalidad exigen que el bailador lea la música a medida que se despliega y amolde el gesto a su estado de ánimo, de modo que constituyen el centro artístico del oficio y no su andamiaje.

Todo relato de la musicalidad de la bachata debe comenzar por la instrumentación, porque la danza se concibe como una respuesta a un conjunto pequeño y constante. La guitarra principal, o requinto, lleva la melodía: abre la canción, entrega los solos y fija el registro emocional que los bailadores trazan con frecuencia con su juego de pies; la segunda guitarra, la segunda, añade síncopa y relleno armónico por debajo.^[3] El bajo, el bongó y la güira completan la textura, ocupando cada uno una función rítmica definida que un bailador atento puede aislar e interpretar. La afirmación pedagógica de que conviene aprender a seguir un solo instrumento a la vez, en lugar de la canción como un todo indiferenciado, descansa precisamente sobre esta arquitectura por capas.^[7]

La percusión aporta el impulso característico del género y sus señales más claras para la acentuación. El bajo suena por lo general en el primer, tercer y cuarto tiempos, a menudo sosteniendo el cuarto, mientras que el bongó descarga un golpe pesado en ese mismo cuarto tiempo a través de su tambor inferior, el «macho», el acento que le da a la bachata su empuje hacia adelante.^[4] La güira, un rascador metálico, mantiene la cadencia subyacente y aporta el brillo de alta frecuencia que mantiene la música bailable. Para quien estiliza, este énfasis en el cuarto tiempo es la bisagra estructural de cada compás, el momento en que un toque, un movimiento de cadera o un aislamiento aterrizan con mayor naturalidad.

La macroestructura importa tanto como el pulso. Las canciones de bachata se dividen convencionalmente en cuatro secciones: una introducción, el derecho o verso que avanza sobre un pulso constante, el majao o coro que se distingue por repiques de bongó más animados, y el mambo, un pasaje instrumental de alta energía.^[5] Los bailadores diestros anticipan las transiciones entre estos pasajes y ajustan su energía y su movimiento en consecuencia, de modo que una pareja podría desplazarse con un juego de pies asentado durante el derecho y abrirse a un fraseo amplio y dinámico cuando llega el mambo.^[5] La musicalidad en este nivel es predictiva más que reactiva, y depende de la familiaridad con la forma en que la estructura se repite y se intensifica.

El paso básico proporciona la retícula rítmica con la que se mide todo el estilo. Consiste en tres pasos laterales seguidos de un toque en el cuarto tiempo, siendo el toque un roce de la punta del pie contra el suelo sin transferencia alguna de peso, que marca el cierre de cada frase de cuatro tiempos.^[6] Como el toque coincide con el acento del bongó y del bajo, funciona a la vez como ancla de tiempo y como sitio natural para el adorno, donde el bailador puede sustituirlo por un movimiento de cadera, una pausa o un cambio de dirección. Comprender este límite de la frase es lo que permite la expresión libre sin perder el pulso.

La musicalidad, entonces, se expresa mediante elecciones deliberadas: qué instrumento elige encarnar el bailador, cómo se destacan determinados pasajes de una canción y cómo se traduce al cuerpo el ánimo general de la pieza.^[7] Los practicantes hablan de ajustar el juego de pies para que corresponda a instrumentos específicos, produciendo un baile que parece sincronizado con la música y no simplemente colocado encima de ella.^[7] El ideal coloquial de bailar «in the pocket» —dentro del ritmo— capta este encaje, la sensación de que el movimiento y el sonido se han vuelto partes indistinguibles de un solo enunciado.^[8]

Esta prioridad interpretativa entra en tensión con la forma en que suele enseñarse la bachata, una tensión que algunos bailadores han articulado con agudeza. Una crítica muy difundida sostiene que la enseñanza debería construirse desde la teoría musical, las posiciones fundamentales y la forma narrativa hacia una expresión improvisada genuina, con las coreografías y los patrones memorizados introducidos solo después de asentar esa base, en lugar de servir como el plan de estudios entero.^[9] La queja refleja una división más amplia en la comunidad de la danza social entre los enfoques centrados en los patrones y los centrados en la musicalidad, una división que se corresponde estrechamente con los distintos estilos regionales de la bachata.

El estilo dominicano, o tradicional, es aquel en el que el estilo y la musicalidad se ponen en primer plano de manera más explícita. Es rico en juego de pies, lúdico y guiado por la música, marcado por cambios rápidos de dirección, síncopa y una cualidad asentada y ágil, con las parejas que se separan y se reconectan con libertad.^[10] Los bailadores de esta modalidad tienden a responder a los instrumentos y a improvisar en lugar de recorrer largas combinaciones memorizadas, lo que convierte la respuesta a la música en la habilidad que la define.^[10] Algunas academias formalizan la distinción en su oferta de cursos, emparejando una clase de estilo dominicano orientada al juego de pies y a la musicalidad con una clase aparte de estilo moderno construida en torno a los patrones y al abrazo cerrado.^[11]

La bachata moderna, en cambio, redistribuye el énfasis hacia un trabajo en pareja estructurado. Está más basada en patrones, organizada en torno a patrones de vuelta, envolturas y trayectorias definidas, y tiende a resultarles familiar a los bailadores de salsa porque buena parte de su vocabulario deriva de la salsa, del baile de salón y de otras danzas de pareja enseñadas en academia.^[12] Aquí el estilo sigue presente, pero habita con mayor frecuencia los brazos y las vueltas que el juego rítmico de los pies, y la musicalidad se expresa a menudo mediante la sincronización en la ejecución de los patrones más que mediante un juego de pies improvisado. Los dos estilos representan, así, respuestas contrastantes a la misma pregunta expresiva.

El estilo sensual introdujo una tercera gramática interpretativa. Creada en Cádiz, España, por la pareja de Korke y Judith, la bachata sensual lee la música a través de aislamientos corporales, ondas y movimientos circulares, bailada en contacto cercano y conducida mediante el marco y los puntos de contacto en lugar de a través de la mano.^[13] Su vocabulario de movimiento favorece los aislamientos corporales fluidos, el modelado más suave y una conexión elástica entre la pareja, cualidades más adecuadas para los remixes más suaves y menos cargados de guitarra sobre los que suele bailarse.^[14] El aislamiento, el acto de mover una parte del cuerpo mientras se mantiene el resto inmóvil, es la piedra angular técnica de este estilo y el ejemplo más claro de musicalidad alojada en el torso y no en los pies.^[26]

La fusión y la familia más laxa de etiquetas híbridas ocupan el espacio entre estos polos. La bachata fusión se describe comúnmente como un puente que une los patrones de vuelta asociados a la salsa con los pasos básicos de la forma tradicional, incorporando a menudo elementos de R&B, pop y hip-hop.^[15] Términos cercanos como la bachata urbana y el bachatango circulan como tendencias más acotadas y no como ramas centrales: la bachata urbana se solapa con frecuencia con el estilo moderno mientras incorpora influencia callejera y de R&B, y el bachatango mezcla la bachata con movimiento de inspiración tango como una fusión de nicho.^[16] Para quien estiliza, estas categorías amplían el vocabulario disponible a la vez que complican cualquier taxonomía ordenada.

El vocabulario concreto del estilo de la bachata abarca todo el cuerpo. Las clases de técnica suelen ejercitar las ondas corporales y sus variaciones, los giros, las torsiones, el juego de pies, el estilo de brazos y los rolidos de cabeza como elementos discretos que los bailadores luego recombinan.^[17] Bajo estos gestos de superficie subyace una capa de mecánica corporal, que incluye la transferencia controlada de peso y el trabajo de cadera, que las academias tratan como el fundamento del movimiento limpio tanto en el trabajo en pareja como en el baile en solitario.^[18] La distinción entre el estilo como ornamento y la mecánica corporal como motor es importante, porque un estilo pulido sin una mecánica sólida tiende a leerse como imitación y no como expresión.

Buena parte de este trabajo se enseña ahora lejos de la pareja. Las clases de estilo en solitario o de «ladies styling» y de mecánica corporal aíslan el movimiento del cuerpo, la transferencia de peso y el trabajo de cadera precisamente para que los bailadores puedan interiorizarlos antes de aplicarlos en contextos de pareja.^[18] Algunas academias encaminan a los principiantes absolutos por unos fundamentos en solitario que se concentran en la mecánica corporal, los aislamientos y el juego de pies sin pareja, con el razonamiento de que el sello distintivo del baile vive en el cuerpo individual antes de vivir en la pareja.^[19] Esta pedagogía en solitario refleja el reconocimiento de que el estilo y la musicalidad son competencias personales, no meros productos de una conexión.

El circuito internacional de festivales ha institucionalizado el estudio de estas destrezas. Han surgido eventos especializados de fin de semana que se centran exclusivamente en la musicalidad y el estilo, estructurados de modo que los talleres sucesivos se construyen de forma acumulativa uno sobre otro en lugar de presentar patrones inconexos.^[20] Tales programas han reunido planteles de maestros dedicados a facetas estrechas de la expresión, con sesiones separadas para el flujo de musicalidad, el estilo y el flujo, el movimiento masculino, la fusión y la lectura de acentos y cortes.^[20] Los organizadores han presentado estos eventos como una respuesta al rápido crecimiento de la escena global y al número creciente de bailadores avanzados que buscan material más allá del plan de estudios para principiantes.^[21]

La expansión del estilo y la musicalidad no puede separarse de la propia evolución de la música. La bachata ganó reconocimiento internacional en los años 90 a través de artistas como Juan Luis Guerra, y a principios de los años 2000 el grupo Aventura reformuló el género al infundirle R&B y pop, una transformación que amplió tanto su público como su paleta sonora.^[22] Esta modernización de la música proporcionó las grabaciones melódicas y menos dominadas por la guitarra sobre las que el estilo sensual y su musicalidad guiada por el cuerpo pudieron florecer, de modo que los cambios en la academia siguieron a los cambios en las listas de éxitos.^[14] El oficio interpretativo, en otras palabras, siempre ha seguido de cerca el material de origen.

La recepción de estos estilos sigue siendo fluida, y esa fluidez es en sí misma un rasgo de la tradición. No existe una única lista mundial autorizada de estilos de bachata, y los maestros, los festivales y las escenas locales aplican las etiquetas de manera inconsistente, de modo que una clase llamada «tradicional» puede significar un baile de raíz dominicana en una ciudad y un enfoque simplemente más sencillo en otra.^[23] En el baile social corriente, los participantes mezclan elementos de los estilos de forma continua, lo que mantiene la musicalidad —la capacidad de elegir y combinar de manera apropiada— como algo más valioso que la lealtad a cualquier categoría única.^[23] Dentro de este sistema abierto, un sentido bien desarrollado de la musicalidad se cita de modo constante como el rasgo que distingue a los bailadores consumados de los principiantes.^[24]

El legado del estilo y la musicalidad de la bachata descansa en última instancia sobre los orígenes del baile como práctica social vernácula. La UNESCO ha caracterizado la bachata como parte de la vida comunitaria dominicana y de las reuniones sociales, un encuadre que sitúa su núcleo expresivo en el baile cotidiano y no en la actuación coreografiada.^[25] El énfasis contemporáneo en la musicalidad —en responder al requinto, anticipar el mambo y acentuar el golpe del cuarto tiempo— puede leerse, por tanto, como la formalización de un instinto que el baile llevó desde sus comienzos rurales hasta la economía global de academias y festivales. El estilo aporta la firma personal, pero la musicalidad preserva el diálogo con la música que ha definido a la bachata desde la era del amargue.